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Producción y análisis de la imagen
   
 
Imágenes 3/5                                                                                                                                                  Inicio
Ampliar imagen  41. Cultura de la Aguada, Argentina


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42. Escriba sentado (esculpida entre los años 2480 y 2350 a. C.),
arte egipcio, Museo del Louvre, París.

Paradigma del principio de frontalidad del arte antiguo egipcio. Véase que la formalidad total del escriba apunta a constituirse en pirámide, fuertemente centralizado alrededor del eje vertical de simetría aproximada.
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43a. Pintura medieval - Perspectiva jerárquica

La pintura medieval no es representativa en lo más mínimo. Por lo menos hasta el advenimiento de lo que Hauser denominó “naturalismo gótico”.
El arte medieval románico se caracterizó por el predominio de los valores de la significación, es decir, la transmisión del mensaje subyacente a la imagen y, precisamente, la jerarquía social inmodificable de los estamentos medievales viene a reflejarse en la jerarquía organizada entre las figuras de la plástica. De allí el mayor tamaño asignado a los personajes significativos en la imagen, frente al menor tamaños de los personajes de acompañamiento.

En este caso se destaca, en el centro, la figura del rey.

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44. Perspectiva renacentista

La perspectiva renacentista se enmarca dentro de la lógica ilusionista de una construcción racional del espacio, racional y ‘científica’, pero que apuntaba entre otras cosas a lograr un ilusionismo de tridimensionalidad, al que se le suma el ilusionismo que el óleo permite en la reproducción visual de las texturas de las cosas. Ello sin perjuicio de las salvedades que hemos hecho en el texto, en cuanto a las limitaciones que este esquema artificioso tiene.
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45. Rebaño de camellos de Al Wastiti, miniatura seljúcida del siglo XIII

Oriente hizo uso de indicadores de espacio, tales como la superposición y la vista espacial en diagonal (movimiento diagonal). En el ejemplo de esta imagen seljúcida, la superposición es la que logra transmitir la idea de un espacio ‘detrás’ de las figuras.
Ampliar imagen 46. Autorretrato, de Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci fue el creador de la perspectiva atmosférica.
Ampliar imagen 47. La Gioconda o Mona Lisa, de Leonardo da Vinci (1452-1519)

Se utilizó la perspectiva atmosférica.
Ampliar imagen 48. Perspectiva atmosférica

Algunos atribuyen ya a Massaccio la aplicación de efectos de atmósfera a sus imágenes en perspectiva. Sin embargo, es Leonardo da Vinci quien de modo sistemático estudia y aplica dichos efectos aéreos en el cuadro, creando así la perspectiva atmosférica o aérea, que también se aprecia en las dos imágenes del mismo autor, que se reproducen seguidamente.

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49.

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Ampliar imagen 51. La Escuela de Atenas (1510-1511), de Rafael Sanzio (1483-1520)

Una de las ‘cumbres’ del clasicismo renacentista, exaltación de los valores filosóficos de la Europa Antigua y Moderna.
Ampliar imagen 52. La Virgen y el Niño y cordero con Santa Ana (pintado entre 1508 y 1510),
de Leonardo da Vinci
(1452-1519)
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53. Flagelacion de Cristo, de Andrea Mantegna (1431-1506)

Ejemplo típico de la ‘amplificación de la imagen’ o ‘perspectiva amplificada’: véase cómo el santo con la columna a la que está atado tiene una magnitud demasiado grande respecto del resto de la imagen, que aparece excesivamente ‘alejada’. Es un recurso efectivo para crear profundidad espacial.
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54. San Sebastián (1481), de Andrea Mantegna (1431-1506)

Esta imagen es un
claro exponente del efecto de ilusión espacial tridimensional creado a partir del uso de la perspectiva lineal de punto central. Una tradición que se mantendrá cíclicamente hasta el advenimiento del Impresionismo.
Ampliar imagen 55. Velas en el puerto (1923), de Carlo Carrá (1881-1966)
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56. El gran metafísico (1917), de Giorgio de Chirico (1888-1978)

Esta imagen y la anterior son claros exponentes del uso ‘metafísico’ de la combinación de diversos puntos de fuga que, al desarticular el espacio, generan una sensación de irrealidad que ayuda al efecto de ‘desilusionar’ la imagen renacentista (a la que también se hace referencia, para potenciar el efecto).
Ampliar imagen 57. Sacramentario (comienzos del siglo XI), de Robert de Jumièges
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58. Madonna rodeada de ángeles y San Francisco, (1272 aprox.),
del italiano Cenno di Pepo, llamado Cimabue (se desconocen fechas de natalicio y muerte)

Obra de transición, ya que se combinan aquí la perspectiva jerárquica (véase la mayor magnitud dada a la Virgen en contraste con los ángeles) con la superposición opaca de figuras y, sobre todo, con la perspectiva lineal (un atisbo, por cierto) que se aprecia en la construcción del trono de la Virgen.
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59a. Arte del Renacimiento.
Frescos de Miguel Ángel (1475-1564) en la Capilla Sixtina, Vaticano

Compárese la diversa concepción que va desde los frescos del techo, con el fresco del Juicio Final, para ver la evolución del arte desde el clasicismo renacentista al manierismo. Las figuras de los frescos del techo de la Sixtina desbordan de análisis volumétrico de la anatomía muscular, con aplicación estricta del modelado del color para dar los efectos de luz y sombra que modelan la forma. En cambio, en el Juicio Final (imagen 59c) véase, a modo de ejemplo, la desproporcionalidad de la figura de Cristo, que viene a ser un Cristo ‘enorme’, que se destaca con claridad por su magnitud, supone ya un valor ‘anticlásico’.
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Ampliar imagen 59c.
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60a. Arte del Barroco

El barroquismo supone la eliminación del ilusionismo espacial del Renacimiento y de la ‘claridad absoluta’ de las imágenes clásicas. Se sustituye por una profundidad mayor, creada a través de las profundas oscuridades en gran contraste con luces muy altas y que se distribuyen, a veces, en base a un foco y, a veces, dicho ‘foco’ produce ‘ecos’ luminosos en otras partes de la obra.
Esta imagen y las dos que siguen sirven de ejemplo de estas características de la pintura barroca.
Ampliar imagen 60b.
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60c.

 
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